Архив
2009 2010 2011 2012 2013 2014 2015 
2016 2017 2018 2019 2020 2021 
1 2 3 4 5 6 7 8 9 10
11 12 13 14 15 16 17 18 19 20
21 22 23 24 25 26 27 28 29 30
31 32 33 34 35 36 37 38 39 40
41 42 43 44 45 46 47 48 49 50
51 52

информация
Пишите нам:
gorgazeta-pskov@yandex.ru

Море музыки. Часть II

Мариинка 2(Продолжение. Начало в № 544). Классическая музыка - это не только традиции, благопристойность, но и несдержанность, и отсутствие вкуса... В сборнике статей о классической музыке - тексты о концертах Елены Образцовой, Владимира Спивакова, Дениса Мацуева, Хиблы Герзмава, Валерии Гергиеве и многих других... «Человек, у которого его достаточно, может позволить себе нечто, - сказал, отвечая на мой вопрос о вкусе Владимир Спиваков. -  А у кого вкуса нет или кем руководят какие-то другие идеи, мысли, желания, жажда наживы, я уж не знаю что... Тогда дело плохо». О хорошем и плохом  читайте в «Море музыки».

Автор.

 

14.

НЕМУЗЫКАЛЬНОЕ ЭХО
(«Городская среда», 2013 г.)

Мариинский театр под № 2 может символизировать новою Россию. Точнее, не сам театр, а вся история его создания.

Поначалу хотели построить сказочное здание по проекту архитектора Перро - с золотым куполом. Более того, проект утвердили, но потом решение было пересмотрено. Вместо золотого купола рядом с историческим зданием Мариинского театра появилось нечто совершенно другое.

Обычно в России бывает так: делают нечто впечатляющее, а приглядишься - деревня (олимпийская, потемкинская).

На этот раз всё произошло наоборот. Смотришь - лежит большая коробка. Несусветно огромная. Похожая на всё что угодно, только не на театр в исторической части Петербурга. Внутри же коробки, если пройтись по залам, послушать музыку - настоящий дворец.

Но гармонии нет всё равно.

Получается, что 22 миллиарда рублей нашли, привлекли к делу не последних мастеров мирового уровня, но умело распорядиться деньгами и людьми так и не смогли.

«Ничего, привыкните, - говорят создатели. - Парижане ведь к изменениям в Лувре привыкли».

Не уверен, что к такому можно привыкнуть. Но если даже можно, то совсем не обязательно. Мало найдется в России людей, кто хотел бы взорвать только что построенное здание Мариинского театра. Но почему вообще надо доводить общество до такого состояния, что всерьез поднимается вопрос: «Сносить или не сносить?»

При этом никто, вроде бы, не виноват. Виновата какая-то сказочная «архитектурная ошибка». Как будто эти ошибки плодятся сами, путем деления и без участия человека.

15.


ЗВУКОВОЙ БАРЬЕР
(«Псковская губерния», 2013 г.)

Россия получила один из лучших театров в мире, а заодно и еще одну проблему

В 12-м подъезде старого здания Мариинского театра висят объявления:

«Конкурс в группу тромбонов - в 13.30, конкурс в группу туб - в 17.30». Здесь же вывешены фамилии других музыкантов, допущенных к прослушиванию: флейтистов - 32 человека, гобоистов - 15, фаготистов - 13, кларнетистов - 14, ударников - 21...

Немного позднее, уже в новом здании Мариинского театра, художественный руководитель театра Валерий Гергиев пояснит журналистам: «Штат театра увеличится на 1000 специалистов. Меня поражает и радует, что к нам обращаются из Италии, Германии, Японии... Этот процесс отбора лучших специалистов  Кого-то мы оформляем временно, кому-то даем испытательный срок А певцы, музыканты и артисты балета всегда под моим пристальным вниманием и вниманием моих коллег. Мы не будем загромождать штат людьми, которые не должны здесь работать. У нас будет как минимум 70 новых музыкантов. А  потом мы еще немного расширим оркестр за счет тех, кого принято называть «первачами» - самыми яркими победителями конкурсов. Их мы будем приглашать специально».

«Группа мошенников, воспользовавшись бессилием народа, снеся несколько памятников архитектуры, разместила в сердце города огромный сарай, назвав это театром»

Пока же музыканты, уже работающие в Мариинском театре, выходят с инструментами из 12-го подъезда в концертных костюмах, пересекают Крюков канал и останавливаются у распахнутых ворот.

У строительного бетонного забора стоит охрана. Внутрь пропускают по спискам. На 16 апреля 2013 года в новом, официально еще не открытом новом здании театра, проходил масштабный акустический тест и встреча с Валерием Гергиевым и канадским архитектором Джеком Даймондом.

Вхожу в огромный вестибюль и на фоне стены из оникса медового цвета вижу улыбающегося человека, стоящего в окружении десятка телевизионных камер.

Интервью дает Джек Даймонд.

Джек Даймонд - это тот человек, который разделил петербуржцев на две неравные части. Одни пришли в ужас от внешнего облика Мариинского театра-2. Другие (пока немногие) настроены благожелательно.

В Петербурге в феврале начался сбор подписей под петицией, требующей снести новое здание театра, на строительство которого потрачено 22 миллиарда рублей из федерального бюджета.

В петиции говорится: «Группа мошенников, воспользовавшись бессилием народа, снеся несколько памятников архитектуры, разместила в сердце города, огромный сарай, назвав это театром». Короче говоря,  «в очередной раз надругались злейшим образом».

Противники новостройки напомнили, что театр стоил городу слишком дорого. И не только в смысле денег.

Была снесена школа № 243, построенная в 1930-х годах, и Дворец культуры имени Первой пятилетки, построенный в 1929-1930 годах по проекту архитекторов Николая Митурича и Василия Макашова в стиле конструктивизма.

Трудно сказать, в каком стиле построено новое здание Мариинского театра. Всё зависит от угла зрения.  Снаружи похоже на новый вокзал или старый завод.

Когда смотришь на два Мариинских театра - старый и новый - со стороны памятника Римскому-Корсакову, то трудно поверить в то, что так может быть: в исторической части Петербурга произошло нечто невиданное.

Здание, в котором размещена вторая сцена Мариинского театра, производит двойной эффект. Или двойной удар. Внутри - дворец, снаружи - стеклянная и каменная коробка с козырьком.

Контраст, какой в обозримом прошлом в России не достигался.

«Знаете, что критики говорили об Исаакиевском соборе после его постройки? - жестикулируя, говорит Джек Деймонд журналистам. - Что он слишком пресный и серый. Это закономерный процесс, который повторяется после каждого крупного строительства... Я мог бы спроектировать здание, которое внешне отличалось безумными формами, но главное назначение театра - показать зрителю качественный спектакль. В этом зале нет ни одного некомфортного места в плане обзора и звука. Это вершина моей карьеры. На создание этого проекта меня вдохновила старая сцена театра. Я очень взволнован результатом. Те, кто критикуют это здание, его даже не видели».

«На ваши деньги - всё что угодно»

К разговору подключается технический директор проекта Кшиштоф Поморски: «Здесь всё внутри настроено на отражение звука, а не на поглощение, как, например, в кинотеатре. Это акустика живого голоса».

«Правильно ли я понимаю: чтобы освоить новое пространство - потребуется не менее двух лет?» - спрашиваю я. - «Да», - отвечает Кшиштоф Поморски на хорошем русском языке. «Что должно произойти за два года?». - «Мы должны обучить специалистов, которые могли мы пользоваться сложнейшей системой». - «И они освоят всё?» - «У меня в автомобиле есть кнопки, которые я боюсь нажимать - не знаю, для чего они предназначены, - улыбается г-н Поморски. - Не должно быть так: имеешь «Мерседес», а спишь под капотом». - «В России есть специалисты, которые не побоятся нажать на все кнопки в новом здании?» - «Мы их найдем и подготовим».

Много вопросов связано с мостом, который соединяет новое и старое здание. Пешеходный мост выглядит так, как будто он перекинут через шоссе на окраине Петербурга. Почему нельзя было построить выдвижной мост?

«На ваши деньги - всё что угодно, - продолжает улыбаться Кшиштоф Поморски. - Но выдвижной мост был бы слишком дорогим. Он стоил бы, как  еще одно здание театра. Но если есть деньги - можно устроить даже полет на Марс».

До Марса далеко, но журналистов приглашают подняться по 33-метровой стеклянной лестнице. Из зала доносится марш из «Аиды».

Всюду свисают люстры Сваровски. Пол отделан мрамором сорта «император». За окном видно историческое здание Мариинского театра, со стороны Крюкова канала обставленное лесами. Рабочие на лесах спешно штукатурят стены.

Леса снимут к маю, когда официально откроется Мариинский театр-2. А пока что проходит неофициальная часть.

Переходим в главный зал.

К объяснениям приступает ведущий специалист по акустике Юрген Рейнхольд.

«Эти горизонтальные конструкции по залу вместе с выпуклыми - создают определенную акустику, - говорит Юрген Рейнхольд и начинает рисовать на листке бумаге, показывая - как здесь всё устроено. - В старом здании звук распространялся за счет декоративных элементов, а в здании современной архитектуры такие элементы использовать нельзя».

Оркестр настраивается, а я, стараясь перекричать оркестр Мариинского театра, спрашиваю у г-на Рейнхольда: «По какому принципу отбирался репертуар сегодняшнего акустического теста?» - «Я даже не знаю, что сегодня будет звучать, - отвечает главный акустический инженер. - Но думаю, что подбор музыки будет такой, чтобы продемонстрировать 70% возможностей зала». - «А как быть с остальными 30%?» - «Мы сбалансируем звук за оставшиеся две недели... Давайте я лучше покажу, как идет звук».

Юрген Рейнхольд подводит журналистов к невысокому буковому барьеру, отделяющему оркестровую яму от зала, и поясняет: - «Этот барьер можно убрать, и звук будет другим.

Чем выше вы садитесь, тем лучше звук. На самом деле, чем дешевле места, тем лучше слышно. Поэтому лучшей идеей было бы сесть на третьей галерее».

На третьей галерее действительно хорошо видно и слышно. Зал - огромный, подковообразный. Рассчитан на две тысячи зрителей. Кресла итальянские, обивка датская. Музыка звучит, в основном, русская.

С внутренним устройством Джек Даймонд, кажется, не прогадал. Неудобных мест нет. Люстры нет тоже: в зале бы люстра испортила акустику.

Оркестровая яма не выглядит громадной, но в действительности она очень велика и отчасти уходит прямо под сцену.

На акустический тест пришли более ста оркестрантов. Одних контрабасистов - семь человек.

Следы ремонта, в буквальном смысле, всюду. Музыканты оркестра Мариинского театра входят в оркестровую яму, оставляя за собой белые следы.

«Тут можно проводить футбольные матчи, если это кому-нибудь придет в голову»

Акустический тест представляет собой полноценное отделение концерта - минут на пятьдесят.

Валерий Гергиев выбрал для теста произведения Чайковского, Верди, Мусоргского, Малера... Часть музыкантов-духовиков рассаживаются на верхних ярусах.

Звучит Ария Ленского (солист - Евгений Акимов), Ария Ольги Лариной (солистка - Екатерина Семенчук), «Tuba Mirum» из «Реквиема» Верди... Центральная часть акустического испытания отдана под «Стрелецкую сцену» из оперы «Хованщина» с хором (солисты - Евгений Никитин, Геннадий Беззубенков, Андрей Зорин, Виталий Ишутин)...

Когда оркестр грянул, какая-то серая штука в правой части сцены  не выдерживает и падает на сцену в метрах пяти от хора.

Других непредвиденных эффектов не возникает.

Особенное впечатление - от Адажио и финала из 5-й симфонии Малера. Играют только струнные, что для Валерия Гергиева - чрезвычайно важно.

Затем наступает затишье.

После десятиминутного ожидания Валерий Гергиев снова возвращается в зал и минут сорок общается с журналистами. Он явно доволен тем, как прошел акустический тест.

Художественный руководитель Мариинского театра заявляет: «Вы первые журналисты, кто пришел сюда. У нас здесь - безграничные возможности. На высоте 30 метров, прямо над нами, - огромный репетиционный зал. Там можно посадить человек 300. Там высокие потолки, там светло...

Мы будем продолжать экспериментировать.  От посадки оркестра - поглубже или повыше -  звучание меняется разительно.

Сегодня у нас было более ста музыкантов. В основном же мы играем спектакли с 70-80 музыкантами.

Вы заметили - я предложил Екатерине Семенчук уйти вглубь сцены, и она секунд сорок там пела. Звук, мне кажется, еще богаче становится.

Отличие акустики этого зала от знаменитой исторической сцены Мариинского зала в том, что здесь - огромное пространство.

Тут можно проводить футбольные матчи, если это кому-нибудь придет в голову. Оно колоссальных размеров.

Это увеличивает технические возможности Мариинского театра, но также дает акустическое богатство.

Хорошо известно - чем больше воздуха, чем больше пространства, тем звук интереснее, волшебнее. Очень важна высота зала. Звук обогащается, когда он не стеснен бетонным основанием. Большое значение имеет свободное пространство под сценой».

«Россия получила один из лучших театров в мире»

«Вам удобно сидеть? - обращается Валерий Гергиев к журналистам, которых в этот день собралось человек сто. Одних телевизионных камер - около тридцати. - Удобно? Да? Это тоже очень важно. В некоторых театрах бывает некомфортабельное ощущение. Люди приезжают издалека и четыре часа сидят, скукожившись...

Я обошел все точки зрительного зала. В некоторых залах бывает так, что приходится немножко выворачивать шею и находиться в состоянии вопросительного знака. Здесь этого не произойдет. Здесь так задумано, что сцена отовсюду видна хорошо.

Это огромная проблема во многих театрах. Там есть места, которые просто нельзя продавать. Есть места, с которых просто вообще ничего не видно. Здесь таких мест нет».

Разумеется, звучит вопрос, без которого пресс-тур в Мариинский театр-2 был бы не мыслим: «Ваше мнение о тех, кто говорит, что этот театр надо снести».

«Я о них не думаю, - отвечает художественный директор Мариинского театра. - Вообще не думаю. У меня есть вещи поважнее. Правда. Никого не обижая...

Я думаю о Мусоргском, о Прокофьеве, я думаю о Стравинском и Шостаковиче, я думаю о Глинке... Я думаю о том, как максимально ярко представить их бессмертные произведения на этой сцене...

Говорить о внешнем виде театра, когда еще стоят заборы вокруг? Здесь только пять дней назад начали мыть стекла. Они были пыльные и грязные. Ведь что такое новый театр сейчас? Проезжая мимо - вы видите строительные заборы, а не архитектуру».

Справедливости ради надо сказать, что по одну сторону забора Мариинский театр-2 выглядит ничуть не лучше, чем по другую. И ничуть не хуже.

Кому нравится с забором, тому и без забора понравится. И наоборот.

Двухметровый забор вот-вот уберут, и в этом убедятся все.

Другое дело - внутреннее убранство. Внутри новое здание выглядит так, как ни одно другое здание в России.

Такого в России еще никто никогда не строил.

«Я бы сравнил это с леопардовой шкурой, или тигровой», - говорит Валерий Гергиев, имея в виду внутреннюю стену из оникса. «С янтарем!», - подсказывают ему. - «Да, может быть. Вам надо побывать на высоте 35 метров, увидеть Исаакиевский собор, Никольский собор... Там изумительная смотровая площадка».

Тем не менее, Валерий Гергиев понимает, что критиков внешнего вида Мариинского театра-2 - огромное количество и, не дожидаясь новых вопросов, начинает защищать сидящего неподалеку Джека Даймонда. - Архитектор понимает в архитектуре больше, чем те, кто об этом постоянно говорит. Делать копию Мариинского театра или театра Ла Скала, или Королевской оперы - это глупо... Я сам, безусловно, приглашу сюда Михаила Пиотровского и Александра Сокурова».

Фамилии Пиотровского и Сокурова звучат не случайно.

Директор Эрмитажа недавно заявил, что Мариинский театр-2 выглядит «никак», а кинорежиссер считает, что «судя по внешней форме, это печальное зрелище», и что «Гергиев устал».

Может быть, Гергиев и устал, но не настолько, чтобы подробнейшим образом не объяснять журналистам - для чего это всё построено.

«Уважаю Сокурова и его уникальное творчество, - продолжает сокуровскую тему Валерий Гергиев. - Но вы - журналисты, и вам лучше известна ситуация вокруг горячих новостных событий. Люди, которые по-настоящему чувствуют архитектуру, не всегда идут собирать подписи...

Так что я отношусь к критикам почти иронично. Россия получила один из лучших театров в мире. Доказать, что это так - наша задача.

Теперь дело чести для нас - наполнить театр настоящим репертуаром. Вот за это мы отвечаем головой.  Мы никогда не ввяжемся в какие-то споры. Это только возвеличит того, кто пытается нас в эти споры втянуть».

«У нас в стране очень много любителей больших бюджетов»

Уже после пресс-тура в Мариинский театр некоторые российские СМИ сообщили, что Валерий Гергиев 16 апреля 2013 года заявил, будто историческое здание Мариинского театра, построенное в 1860 году за 11 месяцев, в 2014 закроют на ремонт.

Ничего подобного Гергиев на встрече с журналистами не говорил. Более того, он специально подчеркнул, что старое здание не закроют.

Дословно было сказано так: «Реконструкция старой сцены может начинаться не ранее чем через три года. Может быть, чуть позже. Не ранее. Мы должны освоить новый жизненный сценарий. Освоить его настолько, чтобы всем в Мариинском театре казалось естественным переходить с одной сцены на другую, и еще совмещать это с выступлением в Концертном зале.

У нас Мариинский театр не в том состоянии, чтобы спешить его закрывать. Он не в таком аварийном состоянии. Есть любители предлагать немедленную реконструкцию за счет больших бюджетов.

У нас в стране очень много любителей больших бюджетов. Я ничего нового вам не сказал.

А я любитель как раз осторожного подхода. Надо работать и на этой сцене, и на старой сцене, и в Концертном зале - работать достаточно долго. И находить тот идеальный баланс в распределении сил».

На несколько минут Валерий Гергиев  переключается на разговор о российской провинции.

«Попутно решается главная задача, которую я ставлю перед собой: инициировать создание недорогих, но качественных концертных залов, - делится своими планами художественный руководитель Мариинского театра. - Есть губернаторы, которые взялись за это очень активно. Сегодня я вижу во многих регионах своих союзников, которые возрождают традицию хорового пения. Вся Россия будет петь! Особенно детская Россия. Возрождать и создавать хоровое пение - одна из наших основных задач».

Валерия Гергиева спрашивают: так Мариинка-2 теперь лучший театр в мире или нет? «Нельзя говорить, что этот театр превосходит другие театры, - отвечает он. - Давайте я лучше скажу: не уступает. Сам зал создан почти в идеальных пропорциях. Пространство большое, но очень отдаленных мест здесь нет. Создатели театра в курсе всего, что демонстрируется в Европе, и в Америке, и в Азии... Мы старались учесть все, что считается в мире эталоном, и не пройти мимо».

Рассказывая об облицовочных панелях из бука, украшающих балконы, спроектированные в соответствии с требованиями акустики, Валерий Гергиев задается риторическим вопросом: «Почему скрипка Страдивари сделана не из железа?», а потом добавляет: «Я сегодня слышал очень богатое звучание, но впереди предстоит колоссальная работа».

Мы сидим в первом ряду партера. Валерий Гергиев подходит вплотную и вполголоса, без микрофона, произносит: «Я обещал футбольное поле? Здесь больше, чем футбольное поле».

Хочется ответить Валерию Гергиеву: «Пока стадион «Зенит» не построен, можно играть здесь».

Но я сдерживаюсь, тем более что начинают работать механизмы сцены. Всё - наружу, всё - напоказ.

«Здесь несколько сцен, - уточняет художественный руководитель Мариинского театра и делает дирижерский взмах. - Сцена, которую вы видите - уходит. На ее место приходит другая сцена - либо слева, либо справа. Она также может уходить вниз. У нас есть одиннадцать метров вниз. И, можно сказать, к вам въезжает другой спектакль.

Технологически это то, чем мы не могли похвастаться в России ни в одном театре. Огромная высота. Глубина сцены - 80 метров. Это вчетверо больше, чем на старой сцене Мариинского театра.

Мы можем теперь «Войну и мир» давать в один день с детским спектаклем! А сейчас мы «Войну и мир» даем редко, потому что закрываем театр на пять дней для подготовки спектакля. Это громадный спектакль. Пять вечеров - впустую. Теперь проблема снята».

Тем временем, часть сцены медленно поднимается вверх.

«Вот уже у вас решение массовых сцен, - еще более оживляется Валерий Гергиев. - У вас наверху или хор, или солисты... Это можно демонстрировать бесконечно. Это театр не рассчитан на два дня. Он рассчитан на сотни лет».

***
Общение с журналистами, вроде бы, подходит к концу, но Валерией Гергиев расставаться не спешит.

«Вы видели другие залы? Нет? Это надо видеть», - говорит он и еще полчаса водит всех по всему театру, показывая три камерных зала на 120-130 мест. Внешние стены залов - стеклянные, от пола до потолка.

В одном из залов художественный руководитель Мариинского театра начинает рассказывать о еще одном своем проекте - о кино: « Мы многое снимаем сами. У нас изумительно получился фильм «Иоланта» с Анной Нетребко. Собственно, премьеру можно сделать прямо здесь. Это не просто спектакль, а художественный фильм».

Гергиев ведет нас по длинным коридорам в балетный зал. Попутно мы проходим через несколько огромных артистических буфетов, похожих на ресторанные залы. Всюду возле дверей стоят охранники.

Попутно Валерий Гергиев рассказывает о том, кого пригласили участвовать в официальном открытии театра 2 мая 2013 года: Юрия Башмета, Ольгу Бородину, Диану Вишнёву, Пласидо Доминго, Леонидаса Кавакоса, Дениса Мацуева, Анну Нетребко, Рене Папе, Михаила Петренко, Екатерину Семенчук... Постановщик Гала-концерта - режиссер Василий Бархатов.

5 мая - день открытых дверей для тех, кто не смог попасть на открытие.

Но даже у тех, кто никогда не попадет внутрь здания, спроектированного Джеком Даймондом, будет возможность проходить мимо и сравнивать его с историческим зданием архитектора Альберто Кавоса.

Сравнивать и удивляться.

16.

ГИПНОЗ
(«Городская среда», 2014 г.)

Валерий Гергиев похож на гипнотизёра. Его выступление в Псковском драмтеатре тоже получилось гипнотическим.

Гипноз, как известно, позволяет сосуществовать одновременно взаимоисключающим состояниям сознания. Сон и бодрствование. Музыка для выступления 10 мая 2014 года была подобрана таким образом, что сон и бодрствование сочетались наилучшим образом.

Имелась вероятность того, что концерт симфонического оркестра Мариинского театра превратят в некое политическое шоу. Предпосылки к этому были. Журналистам сообщили, что запланирована пресс-конференция с участием псковского губернатора Андрея Турчака и Валерия Гергиева. К ним должен был присоединиться виолончелист и акционер банка «Россия» Сергей Ролдугин.*

К счастью, пресс-конференции не случилось. Обошлось без лишних слов.

График выступлений Валерия Гергиева таков, что внеплановый концерт чрезвычайно трудно куда-нибудь пристроить. По этой причине концерт несколько раз переносился.

После Пскова Гергиев ненадолго отправился в Лондон. Затем у него запланированы концерты в Петербурге и турне по Европе. Вот типичный график одной недели его выступлений: 14 мая: Мариинский-2, Прокофьев, «Семен Котко»; 15 мая: Концертный зал Мариинского театра, Торжественное открытие VII международного фестиваля «Шаг навстречу»; 16 мая: Австрия, Линц, Brucknerhaus, Оркестр Мариинского театра, Брукнер Симфония № 1, Чайковский, Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», Прокофьев Симфония № 7; 17 мая: Санкт-Флориан, Basilica, монастырь Святого Флориана, Оркестр Мариинского театра, Брукнер, Симфония № 7; 18 мая: Швейцария - Санкт-Галлен, Theater St. Gallen, Оркестр Мариинского театра, Амман Core, Чайковский, Концерт для фортепиано с оркестром № 2, Римский-Корсаков, «Шехерезада»; 19 мая: Швейцария, Люцерн, Kultur und Kongresszentrum, Оркестр Мариинского театра, Рахманинов, Концерт для фортепиано с оркестром № 1, Чайковский, Симфония № 4; Амман Core... А потом Цюрих, Женева, Мюнхен, снова Мюнхен...

Гергиева как раз часто упрекают в том, что его концерты поставлены на поток, и от этого страдает качество, дополнительная нагрузка падает на вторых дирижёров, которые остаются «за кадром».

В любом случае, псковский концерт не выглядел дежурным, сделанным «лишь бы отвязаться». Любопытно было услышать, как звучит большой оркестр в реконструированном зале. Дело в том, что пока не до конца понятно, какая в новом-старом зале Народного дома акустика (раньше была замечательная). Прошедший концерт тоже не дал окончательных ответов. Во всяком случае, можно сказать, что микрофоны были установлены грамотно. Их было как минимум 6 штук (и это уже не очень хорошо. Живой звук, пропущенный через микрофоны, становится не совсем живым). Но замечаний по звуку не было никаких. Так что концерт во всех смыслах прошёл успешно.

Валерий Гергиев, побывав после концерта в Псковском кремле, судя по сообщению пресс-службы областной администрации, предложил содействие в постановке в исторических декорациях оперы «Псковитянка». Возможны и другие творческие контакты Мариинского театра и Пскова. Это было бы логично. Псков от Петербурга находится недалеко. Музыканты из Марриинки в Пскове выступают часто. Однако после приезда Гергиева в Псков (он здесь был впервые) творческое сотрудничество должно активизироваться ещё больше.

* Сергей Ролдугин - российский виолончелист, музыкальный педагог и дирижёр, солист и дирижёр Мариинского театра, профессор и ректор Санкт-Петербургской консерватории, художественный руководитель Санкт-Петербургского Дома музыки, близкий друг второго президента России Владимира Путина. Помимо Тимченко, Ковальчука, Мордашова (5,9%), Газпрома (3,4%), Шамалова (10,4%), худрук Санкт-Петербургского Дома музыки Сергей Ролдугин (3,3%) входит в число акционеров банка «Россия», на который Запад весной 2014 года наложил санкции.

17.

ОСТРОВ ПАСХИ
(«Псковская губерния», 2014 г.)

Псковский концерт симфонического оркестра Мариинского театра обошёлся без  имперского пафоса и громких слов

Особенностью Московского Пасхального фестиваля является то, что он хоть и московский, но проходит в десятках городов. XIII Московский Пасхальный фестиваль, судя по информации на официальном сайте, состоялся с 20 апреля по 9 мая 2014 года. Но в Пскове оркестр Мариинского театра вместе с Валерием Гергиевым выступил 10 мая 2014 года. То есть каких-то жёстких географических и временных ограничений у фестиваля нет.

«В область экстаза он быстро несётся...»

Симфонический оркестр Мариинского театра ожидали в Пскове в апреле. Потом концерт перенесли на вечер 10 мая. Потом перенесли ещё раз - на полдень. Та же история была и с пресс-конференциями. Она то назначалась, то отменялась. В общем, проще было попасть на акустический тест в Мариинский театр, послушать музыку и пообщаться с Валерием Гергиевым в Петербурге , чем дождаться его в Пскове, в который он раньше не приезжал.

Но это не означало, что Псков раньше не имел отношения к Московскому Пасхальному фестивалю. Проходили здесь и концерты, и мастер-классы - в том числе и с участием сестры Валерия Гергиева - концертмейстера Ларисы Гергиевой

Выбор первого произведения, открывавшего псковский концерт, учитывая майские праздники, был неожиданным. Прозвучало вступление к опере «Лоэнгрин» Рихарда Вагнера. С этой оперой в год её написания - в 1849 году - произошла почти такая же история, что с концертом Валерия Гергиева в Пскове. Премьера предполагалась на апрель, но была отменена. В тот раз вмешалась политика.

Слушая вступление к опере «Лоэнгрин» сложно представить, что музыку написал не просто Вагнер, а революционер Вагнер, участник майской Дрезденской революции, друживший с Михаилом Бакуниным.

Композитор, пребывая в анархическом настроении, тогда находился под влиянием Людвига Фейербаха, Пьера-Жозефа Прудона и того же Михаила Бакунина.

9 мая саксонский король Фридрих Август праздновал победу над восставшими. Так что вместо заслуженных цветов и аплодисментов Вагнер весной 1849 года удостоился не менее заслуженной выписки ордера на арест. Композитору, которого объявили государственным преступником, пришлось бежать. Он был одержим поиском «неиссякаемого света любви, дарованного «священным Граалем». Тому же самому было посвящено вступление к опере «Лоэнгрин».

Склонный к высокопарности Вагнер описывал вступление к «Лоэнгрину» такими словами: «Восторженному взгляду, исполненному жажды возвышенной, неземной любви, представляется сначала, будто прозрачнейший голубой эфир небес облекается в едва уловимые, но в то же время с волшебной силой приковывающие взор, чарующие образы...» И далее у Вагнера появляются: «сонм ангелов», «волшебное видение», «упоительная боль», «блаженно-жуткая радость»... Программа псковского концерта была подобрана так, чтобы слушатели могли уловить «неиссякаемый свет любви», а заодно «сонмы ангелов» и «волшебное видение» не только в произведении Вагнера, но и во всех остальных произведениях концерта, включая бисовое исполнение. Во всяком случае, в антракте и после концерта о «райских ощущениях» и «блаженстве» слушатели говорили неоднократно. Для полного счастья не хватало только «блаженно-жуткой радости».

После вступления к «Лоэнгрину» прозвучала «Поэма экстаза» Александра Скрябина.

Если для исполнения Вагнера Валерию Гергиеву понадобилась дирижёрская палочка, то Скрябина и всех остальных дирижёр взял «голыми руками».

Облачённый во всё чёрное, включая чёрные солнцезащитные очки, Гергиев со сцены не произнёс ни слова. Раз музыка, так музыка. И больше ничего.

Скрябин, как и Вагнер, тоже тяготевший к литературному описанию музыки, о «Поэме экстаза» говорил так:

На крыльях могучих
Новых исканий
В область экстаза
Он быстро несётся

До-мажорное звучание, оптимизм, бьющая через край радость (была бы в псковском театре оркестровая яма, она бы быстро заполнилась до краёв)... Наиболее чувствительные слушатели, наверное, могли уловить «ослепительное лучезарное сияние», о котором писал Скрябин.

Зал псковского драмтеатра был почти полон. Люди сидели на приставных стульях. Правда, небольшое количество кресел, судя по всему забронированных начальством, всё-таки оказалось свободными.

«В своей незаметности и тишине особенно красивое»

После антракта на сцену вместе с оркестром вышел виолончелист Сергей Ролдугин.

В предыдущий раз крёстный отец старшей дочери Владимира Путина выступал в Пскове прошлым летом , и отзывы о его игре на виолончели были тогда противоречивые. В 2013 году профессор Ролдугин приезжал в Псков вместе с Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии под управлением Юрия Симонова, исполнив Концерт для виолончели с оркестром Роберта Шумана.

На этот раз прозвучал Концерт для виолончели с оркестром Камиля Сен-Санса, и никакой противоречивости в игре профессора Ролдугина не чувствовалось. Оркестр и солист были единым целым.

И вообще, все без исключения произведения, прозвучавшие в этот праздничный полдень, хорошо сочетались, создавая, пусть и с некоторым запозданием, пасхальное настроение.

В заключении симфонический  оркестр Мариинского театра исполнил музыку из сюиты к балету Игоря Стравинского «Жар-птица».
В начале прошлого века эта музыка в России оказалась под запретом - из-за литературной основы, которая вдохновила Стравинского. Литературной основой была сказка «Кащей Бессмертный». Цензурный комитет видел в Кащее Николая II и всё, что касается Кащея Бессмертного, безжалостно вымарывал.

Балет «Жар-птица» появился на отечественной сцене только после Октябрьской революции.

Странно, что в 2014 году депутаты Госдумы ещё не додумались запретить произведения, связанные с Кащеем, как антигосударственные. Но ещё не поздно это сделать.

Сказочная тема продолжилась и дальше. На бис Валерий Гергиев предложил  сказочную картинку «Волшебное озеро» Анатолия Лядова, рождённую в ту же предреволюционную эпоху, что и «Жар-птица» Стравинского.

Лядов своё волшебное озеро описал так: «Лесное русское озеро и в своей незаметности и тишине особенно красивое. Надо было почувствовать, сколько жизней и сколько изменений красок, светотеней, воздуха происходило в непрестанно изменчивой тиши и кажущейся неподвижности!»

Кажущаяся неподвижность - вот то важнейшее, что было и есть в этой музыке. На нотах композитор даже нарисовал карандашом это озеро - с камышами и елями на берегу. И их же изобразил в музыке.

Дополнительную ценность выступлению симфонического оркестра Мариинского театра придавало то, что обошлось без имперского пафоса и громких слов. Заигрывания со слушателями тоже не было.

Бессмертная музыка, в отличие от Кащея Бессмертного, действительно бессмертна.

18.

ОТДЕЛЕНИЕ ВОКАЛА (ОТ ПСКОВА)
(«Городская среда», 2012 г.)

«Неужели у вас в Пскове в колледже искусств нет вокального отделения? - удивилась Лариса Гергиева. - Какая-то непонятная для меня система. Я считаю, что это неправильно. Все колледжи искусств, которые я знаю, имеют вокальные отделения».

Разговор проходил на сцене Большого концертного зала Псковской областной филармонии.

До открытия одиннадцатого Московского Пасхального фестиваля оставалось еще три часа.

Фестиваль хоть и называется «Московский», но в 2012 году пройдет в 11 городах России и Украины. В самой Москве состоится только 13 концертов. За 25 дней фестиваля состоится примерно 150 концертов симфонической, хоровой, камерной и звонильной программ в таких городах как Санкт-Петербург, Киев, Петрозаводск, Мурманск, Архангельск, Ярославль, Воронеж, Краснодар, Кисловодск, Ростов-на-Дону, Волгоград.

Среди участников программы: солисты оперы и балета, хор, Страдивари-ансамбль и Симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Валерия ГергиеваДенис Мацуев (фортепиано), Ольга Бородина (меццо-сопрано), Александр Торадзе (фортепиано), Ферруччо Фурланетто (бас), Евгений Никитин (бас-баритон), Нина Штемме (сопрано), Алексей Володин (фортепиано), Кристиан Блэкшоу (фортепиано), Даниил Трифонов (фортепиано), Иван Каризна (виолончель), Анна Кикнадзе (меццо-сопрано), Андрей Серов (бас-баритон), Тимур Мартынов (труба), а также Чулпан Хаматова и Евгений Миронов.

15 апреля Валерий Гергиев открывал фестиваль в Москве, а в Пскове в этот же день давала концерт Лариса Гергиева (художественный руководитель Академии молодых оперных певцов Мариинского театра, художественный руководитель Государственного театра оперы и балета Республики Северная Осетия-Алания (Владикавказ). Она привезла в Псков четырех солистов - Андрея Бондаренко (баритон), Дмитрия Воропаева (тенор), Ирину Шишкову (меццо-сопрано) и Марию Баянкину (сопрано).

Однако для некоторых псковичей не менее значительным оказался и мастер-класс, который успела провести в филармонии одна из лучших концертмейстеров мира Лариса Гергиева.

В зале собралось человек двадцать пять - юные псковские певицы, их педагоги и родственники... Впрочем, вскоре выяснилось, что большинство псковских исполнителей и педагогов, несмотря на уникальную возможность, все-таки предпочли провести этот воскресный день в каком-то другом месте. Ничего удивительного в этом нет.

В Псков довольно часто приезжают большие музыканты. И всякий раз приходится наблюдать одну и ту же картину: пренебрежительные усмешки («Образцова? Она уже не та», «Спиваков? Он никогда не умел дирижировать»)...

В определенных кругах считается, что в Псков хороший артист приехать в принципе не может. Если приехал - значит недостаточно хорош.

В таком подходе присутствует защитная реакция. Определенная часть провинциальной публики пытается сберечь душевное спокойствие. А как еще иначе продемонстрировать то, что «и мы не лыком шиты»? Наверное, никак.

И все же мастер-класс состоялся. Он был чрезвычайно полезен. Из-за стен доносился колокольный звон, а на сцену поднимались молодые псковские певицы. Вначале 17-летняя Алина Чистякова, а затем 14-летняя Валерия Комарова... Подробности мастер-класса и Пасхального концерта с участием Андрея Бондаренко, Дмитрия Воропаева, Ирины Шишковой и Марии Баянкиной читайте в следующем номере.

19.

ПАСХАЛЬНАЯ МАСТЕРСКАЯ
(«Городская среда», 2012 г.)

Концертмейстер Лариса Гергиева собрала в Пскове на мастер-класс несколько человек.

О том, как это было, «Городская среда» в прошлом номере кратко уже рассказывала. Теперь - некоторые подробности.

...Из-за стен доносился колокольный звон, а на сцену поднимались псковские певицы. Вначале 17-летняя Алина Чистякова, затем 14-летняя Валерия Комарова...

Алина Чистякова начала с Шуберта, а продолжила русской народной песней. На сцене раздалось: «Зачем тебя я, милый мой, узнала».
«Попробуйте куплет на полтона ниже, - предложила Лариса Гергиева. - Представьте, что здесь никого нет, в том числе и меня».

Представить это было непросто. Возле сцены расположились журналисты с теле- и фотокамерами. Здесь же находились солисты Мариинского театра.

Лариса Гергиева переспросила: если в Пскове нет вокального отделения, то на каком отделении учится Алина? Оказывается, на теоретическом.

Теория на глазах стала превращаться в практику.

«Вам очень мало лет, - продолжила мастер-класс Лариса Гергиева. - Не увлекайтесь оперными ариями. В 17 лет можно зажать голос. А народные песни петь - очень полезно. У вас очень красивый голос. Он может развиться. Надо начинать со старинной итальянской музыки, с ариеток и народных песен»

Лариса Гергиева привела пример тех абитуриентов, которые начинают с самых сложных вещей, вроде арий из «Тоски». Как правило, ничем хорошим это не заканчивается. «Приезжают соловьями, уезжают воробьями».

«Какое самое главное слово во фразе: «Зачем тебя я, милый мой, узнала?» - продолжала задавать вопросы Лариса Гергиева. - «Наверное, «зачем?»» - «Нет, «узнала»»...

Мастер-класс по вокалу включил в себя урок выразительной речи - на русском, немецком и итальянском.

«Надо бороться за каждую согласную», - продолжила давать советы Лариса Гергиева. - В каждом произведении надо копаться. Полюбите черновую работу».

Мастер-класс - как раз такая черновая работа и есть. Но, учитывая статус Ларисы Гергиевой, это еще и возможность получить важную информацию из первых рук и уст.

Лариса Гергиева дала несколько практических советов по поступлению на только что открытую оперную кафедру Санкт-Петербургского государственного университета.

Несколько дней спустя, в передаче «Худсовет» на телеканале «Культура», художественный руководитель «Академии молодых певцов» Лариса Гергиева рассказала о мастер-классе в Пскове, упомянув 14-летню девушку, которая произвела на нее сильное впечатление.

Лариса Гергиева имела в виду Валерию Комарову.

Когда Валерия Комарова со своим концертмейстером поднялась на сцену БКЗ, колокольный звон за стенами усилился.

Восьмиклассница Валерия Комарова запела: «Глазам своим не верю, какой чудесный день...»

Спустя два часа на ту же сцену вышли ученики Ларисы Гергиевой, а она сама села за рояль.

В этом году программа фестиваля посвящена 120-летию со дня рождения Сергея Прокофьева. Но в Пскове в этот вечер звучала совсем другая музыка. От Оффенбаха до Кос-Анатольского, от Бернстайна до Рахманинова...

Если Лариса Гергиева оказалась в Пскове впервые, то Ирина Шишкова (меццо-сопрано) выступала на сцене БКЗ областной филармонии совсем недавно - полгода назад.  Тогда она вместе с оркестром «Новая Россия» участвовала в фестивале «Crescendo».

Отчасти, нынешний ее репертуар был тот же: 3-я песня Леля из оперы «Снегурочка» Римского-Корсакова, «Хабанера» из оперы «Кармен» Бизе. Но формат Пасхального фестиваля позволил Ирине Шишковой продемонстрировать больше возможностей. Учитывая ее вокальные и внешние данные, карьера Ирины Шишковой не может не идти по нарастающей. То же самое относится и к Марии Баянкиной (сопрано).

Наверное, наиболее внимательными слушателями на этом концерте были участницы мастер-класса. Певцы Академии молодых певцов Мариинского театра показали, что уроки выразительной речи для них уж точно бесследно не прошли. В борьбе за каждую согласную они победили, и теперь с успехом ведут борьбу за слушателей.

Пожалуй, наибольшее впечатление произвел Андрей Бондаренко (баритон). Его все еще можно называть молодым исполнителем, но это уже сложившийся мастер с глубоким голосом.

Андрей Бондаренко как вокалист, по всей видимости, очень уверенно чувствует себя в роли соблазнителя женщин. Некоторое время назад он участвовал в нашумевшем спектакле «Вариации Джакомо» Михаэля Штурмингера с Джоном Малковичем и Ингеборгой Дапкунайте.

Музыкальные номера для того спектакля были позаимствованы в операх Моцарта «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Так поступают все женщины», а музыкальным дублером Джона Малковича тогда как раз и стал Андрей Бондаренко.

В Пскове он тоже не обошел «Дон Жуана» стороной, исполнив вместе с Марией Баянкиной «Дуэт Дон Жуана и Церлины».

Завершился концерт редкой и оттого очень выигрышной партией - комической арией Тартальи (по-русски - Заики) из оперы «Маски» Москаньи, после которой без всякого заикания и оговорок следует сказать: было бы неплохо, если бы и двенадцатый Пасхальный фестиваль не обошел Псков стороной.

 

20.

 «И ЖИЗНЬ, И МОЛОДОСТЬ, И СЧАСТЬЕ...»
(«Городская газета», 2007 г.)

В Большом концертном зале Псковской областной филармонии 22 декабря состоялся концерт молодых оперных певцов  (художественный руководитель - Лариса Гергиева).

Такие концерты любят зрители. Выигрышный репертуар. Молодые голоса. Предновогоднее настроение. К тому же, удобные кресла, установленные в зале БКЗ после ремонта...

Хотя начался концерт с грустных, почти заупокойных нот. «Над камнем могильным склоняются грустные ивы» пел Андрей Бондаренко. Ария Елецкого из «Пиковой дамы» Чайковского («Вы так печальны, дорогая. Доверьтесь мне...») тоже  заставляла задуматься о неизбежном...

Печальную ноту подхватила Анна Маркарова, начав свое выступление с  «Ночи» Рубинштейна. Надо было вести отсчет с «могильных камней», чтобы, с помощью Ларисы Юдиной, в конце концов, напомнить всем, что «смеяться, право, не грешно».

Репертуар репертуаром, а главное все-таки голоса. Хорошую песню, так сказать, придушить слабым голосом легко. Примеров не счесть. Но это был не тот случай. Молодые певцы из академии, пожалуй, -  лучшие оперные исполнители, выступавшие на псковских подмостках в 2007 году. Это можно сказать с уверенностью, при всем уважении к тем, кто участвовал в недавнем концертном исполнении «Иоланты». Особенно восторженно публикой было принято выступление Михаила Колелишвили и Ларисы Юдиной.

Михаил Колелишвили, как оказалось, с одинаковой силой и артистизмом способен спеть почти все -  от гершвиновской песни Порги из «Порги и Бесс» до «Песни Варлаама» из оперы Мусоргского «Борис Годунов». Хотя у Нью-Йорка столетней давности и средневековой Казани есть что-то общее. В одном городе афроамерикацы сердце песней разрывают,  в другом «татарове благим матом заливаются».

Послушаешь таких певцов и действительно поверишь в то, что акустика в нашем зале после ремонта улучшилась. Во всяком случае, голос Ларисы Юдиной можно было, наверное, слышать и в гардеробе. Начала она, высоко взлетев с помощью «Ласточки» Дель-Акуа, а закончила (спев на бис) «Соловья» Алябьева. От «Ласточки» до «Соловья» время пронеслось незаметно. «Как, уже все? - удивилась моя соседка в зале. - На одном дыхании все прошло».

Концертного рояля у филармонии пока нет (Petrof сгорел). Но есть кабинетный Gebr. Niendorf из Малого зала. На нем и играл аккомпаниатор Анатолий Кузнецов. Играл, кстати говоря, не слишком удачно. И дело было не в рояле. Однако молодых певцов это не сильно смутило. У них были заботы поважнее («Ах, если б в сети, вместо птиц*, поймал я дюжину девиц») мечтал Папочино из «Волшебной флейты» Моцарта голосом Андрея Бондаренко. «Я жду тебя», - честно признавалась Анна Маркарова под музыку Рахманинова. «Люди гибнут за металл», - на чистом французском ставил диагноз Михаил Колелишвили. А Лариса Юдина переходила от сказки к сказке (от «Сказок Гофмана» Оффенбаха до «Сказок Венского леса» Штрауса).

 От сказки до сказки один шаг.

* Ласточек? Соловьёв?

21.

Игривое настроение
(«Городская среда», 2018 г.)

Совсем недавно музыканты Тегеранского симфонического оркестра поддерживали свою сборную по футболу. Оркестр дал концерт перед футбольной игрой Ирана и Марокко,  состоявшейся в Петербурге 15 июня в рамках Чемпионата мира 2018 (Иран победил, марокканец забил в свои ворота). В Пскове напрямую ни один симфонический оркестр с футболом в эти дни связан не был, но телетрансляции безусловно сказывались на концертах (их было в прошедшие дни несколько)./.../

22.

ВЕСЁЛЫЙ ФИНАЛ
(«Псковская губерния», 2018 г.)

Игра в футбол и игра симфонического оркестра иногда  соседствуют

Международный молодежный симфонический оркестр «Белые ночи», состоящий из студентов музыкальных учебных заведений России, Белоруссии, Литвы, Латвии, Украины и США выступил на сцене Большого концертного зала Псковской областной филармонии. В антракте зрители делились впечатлениями. Некоторым казалось, что молодёжный оркестр мог бы звучать и повеселее. Впрочем, чувство юмора у всех разное. К тому же, второе отделение завершала «Простая симфония» Бенджамина Бриттена, которая переполнена юмором - надо только вслушаться. И не только в «Весёлый финал», но и в предыдущие части.

«Сильная у нас команда или нет?»

Концерт начался с небольшим запозданием. В ожидании зрители обсуждали игру сборной России по футболу. «Сильная у нас команда или нет?» За 15 минут до начала концерта сборная России проиграла сборной Уругвая со счётом 0:3. Причём футбол на соседнем ряду обсуждали явно не слишком разбирающиеся в футболе женщины пенсионного возраста (что они спросят после победы по пенальти над Испанией?).


Оркестр «Белые ночи», выступавший в этот вечер, - это тоже сборная. Она сформирована на основе Молодёжного симфонического оркестра имени Альгирдаса Паулавичюса Санкт-Петербургского музыкального училища им. Н.А. Римского-Корсакова.


В конце 60-х - начале 70-х годов Альгирдас Паулавичюс был участником ленинградского вокально-инструментального ансамбля «Поющие гитары». Несколько лет возглавлял музыкальную редакцию киностудии «Ленфильм», был дирижёром Молодёжного филармонического оркестра Мариинского театра и художественным руководителем и дирижёром Симфонического оркестра музыкального училища им. Н. А. Римского-Корсакова. После смерти Альгирдаса Паулавичюса этому оркестру присвоили его имя, а место за дирижёрским пультом занял Алексей Васильев (теперь он - ректор Санкт-Петербургской государственной консерватории  Н. А. Римского-Корсакова). Весной 2018 года Алексей Васильев дирижировал в Пскове другим молодёжным оркестром - оркестром Санкт-Петербургской консерватории.* Но он продолжает дирижировать и оркестром «Белые ночи» (руководитель проекта - профессор Гинтаутас Жяльвис). Оркестр собирается раз в год. В мае студенты репетируют, а в июне отправляются на гастроли.


Алексей Васильев незадолго до приезда обещал, что «концерт будет не хуже, а в чём-то даже лучше», чем апрельский.


Бессмысленно сравнивать, но часть публики определённо пришла послушать  музыку тех композиторов, которая в Пскове звучит редко. И это явно не Вивальди и не Григ. Прежде всего, интересовал Бриттен. Как бы молоды ни были музыканты оркестра, но Бенджамин Бриттен, когда сочинял песни, позднее превратившиеся в «Простую симфонию», был ещё моложе.

Композитору тогда исполнилось 12 лет, а кое-что сочинено ещё раньше - в 9 лет. Позднее - в 21 год - он её соединит воедино и немного подредактирует, но всё-таки «Простая симфония» - это музыка очень юного человека и прилежного ученика. Партитуру для струнного оркестра тоже сделал автор. По этому произведению студенты учатся не только академической музыке ХХ века, но заглядывают в XVIII и XVII века. Как говорил популяризатор классической музыки Михаил Казиник«Уже здесь, в этой симфонии, проявляются все элементы стиля Бенджамина Бриттена. С одной стороны - это классическая ясность; ясность ГайднаМоцарта и Бетховена. С другой стороны - следование великолепным традициям английской музыки...».


Однако Бриттен был предусмотрительно оставлен напоследок, а открылся концерт сверхпопулярным произведением Антонио Вивальди «Времена года». Прозвучала «Осень» (тёплым июньским вечером повеяло прохладой). «Осень» Вивальди помимо всего прочего ещё и музыка, которую любят кинорежиссёры. К примеру, она звучит в фильме о Джеймсе Бонде «Вид на убийство». Том самом фильме, где агент 007 (Роджер Мур) отправляется в Сибирь. В фильме Бонду противостоит бывший агент КГБ Макс Зорин. У Вивальди без убийства тоже не обходится - если судить по сопровождающему музыку сонету Вивальди, заканчивающемуся такими строками: «Охотники в тени густого бора // Идут по следу, зверя настигая. // Почуяв близость гибели грозящей, // Стрелой помчался зверь, но злая свора // Его загнала насмерть в тёмной чаще». Это сцена осенней охоты. Перевод с итальянского Владимира Рабея.

Но самым интересным до антракта было исполнение Неоконченной симфонии Шуберта № 8.

«Муза не любит тотального недостатка всякой духовной жизни»


Франц Шуберт написал две части, а третью только начал. Рукопись обнаружили несколько десятилетий спустя после написания, а впервые исполнили симфонию в 1865 году, то есть спустя 37 лет после смерти австрийского композитора. Тем не менее, симфония стала одним из самых популярных произведений Шуберта.


Правда, есть мнение, что Шуберт просто решил, что довольно и двух частей. В них он вложил всё, что хотел. Хотя в России как минимум два композитора дописали эту симфонию - каждый по-своему. Один из них - ученик Дмитрия Шостаковича композитор Борис Тищенко (премьера Симфонии № 8 Тищенко состоялась в Петербурге в 2008 году).


Симфония № 8 вообще притягивает своей мнимой или действительной неоконченностью. Существует вариант англичанина Брайана Ньюбаулда. За год до премьеры Тищенко свою версию представил российский композитор Антон Сафронов. И если Тищенко сознательно сочинял музыку, которая не могла бы появиться в первой половине XIX века, то Сафронов, наоборот, третью часть дописал по шубертовскому эскизу, а четвёртую часть стилизовал: это был гипотетический финал в шубертовской стилистике с использованием незаконченных произведений Шуберта (это обычная практика; другие композиторы тоже завершали произведения за Моцарта, Мусоргского, Бородина, Малера, Пуччини, Шостаковича, Брукнера). Было бы интересно когда-нибудь услышать все продолжения Симфонии № 8 в одном концерте. Из продолжений я слышал только запись Бориса Тищенко и отклики читал, в основном, отрицательные, а то и злобные, вроде этого: «Выдержал ровно четыре минуты. Звучит так, как будто Шостаковичу сделали лоботомию, и он три года принимал героин». В лоботомии и героине я не разбираюсь, но продолжение звучит интересно и совсем не отталкивающе. Шуберт и спустя почти двести лет может вдохновлять композиторов и радовать слушателей.


Третьим сыгранным произведением в этот вечер была сюита «Из времён Хольберга» Эдварда Грига.  В конце XIX века Григ решил написать нечто в духе предыдущих веков. Он стилизовал музыку под старинную - времён норвежско-датского историка и писателя-сатирика Людвига Хольберга («скандинавского Свифта», написавшего «Путешествие Нильса Клима под землёй»), жившего в XVII-XVIII веках. Современность Грига тогда не очень вдохновляла. Во всяком случае, он в том 1884 году написал: «В этом году у меня не было никакого вдохновения. Я собирался работать, но муза не любит тотального недостатка всякой духовной жизни, и поэтому слишком часто блистает своим отсутствием». Зато он сочинил сюиту «Из времён Хольберга». Вот бы дать её послушать безголовым людям из романа «Путешествие Нильса Клима под землёй».


А потом дошла очередь и до Бриттена. Оркестр «Белые ночи» исполнил «Простую симфонию», начинающуюся с «Неистового бурре». И опять это была стилизация. Очередной композитор перелетает совсем в другой век - на этот раз в XVIII.

Человеку, не очень разбирающемуся в музыке, «Простая симфония» может показаться не такой уж и весёлой. Даром что она состоит из частей под названиями «Неистового бурре», «Игривое пиццикато», «Сентиментальная сарабанда» и «Весёлый финал». Но это лишь говорит о том, что Бриттен был непрямолинеен. В этом чувствуется английский юмор. Это музыкальные шутки для посвящённых.

Когда-то бурре  был французским крестьянским танцем (крестьяне перемалывали ногами хворост), но потом его позаимствовали аристократы. А спустя несколько столетий юный Бриттен вслед за Бахом, Генделем и другими написал своё бурре. Жизнь самого Бриттена тоже была похожа на бурре (от французского pas de bourree - набить, поколотить, сделать неожиданные скачки и повороты). Взгляды и образ жизни английского композитора были таковы, что им заинтересовались Скотленд-Ярд и ФБР. Страница из персонального дела Бенджамина Бриттена в ФБР отцензурирована настолько, что осталось только его имя: всё остальное закрашено чёрным.


Бенджамин Бриттен вообще очень любил обращаться к прошлому и активно использовал литературу. Он написал даже вокальный цикл «Эхо поэта» - на стихи Пушкина («Эхо, Ангел», Соловей и Роза» и т.д.). В этом цикле Бриттен положил на свою музыку даже знаменитую пушкинскую эпиграмму на новороссийского генерал-губернатора Михаила Воронцова: «Полу-милорд, полу-купец, // Полу-мудрец, полу-невежда, // Полу-подлец, но есть надежда, // Что будет полным наконец». Именно из-за англомана Воронцова Пушкина выслали из Одессы в Псковскую губернию, а через сто пятьдесят лет - в 1965 году, после гастролей в СССР - англичанин Бриттен написал музыку. История любит такие шутки. А публика любит такие неожиданные скачки и повороты. 
Одним словом, бурре.

23 

ПОЭЗИЯ БЕЗ СЛОВ
(«Городская среда», 2012 г.)

Постепенно в Пскове складывается новая традиция - приглашать на Пушкинские праздники поэзии хорошие симфонические оркестры. Если не получается с хорошими поэтами, то это - выход. Владимир Спиваков уже приезжал. Теперь вот приехал Большой симфонический оркестр им. П.И.Чайковского (но без Владимира Федосеева, который в последний момент заболел).

Однако БСО звучал так, как будто все, включая главного дирижера и художественного руководителя, были здоровы.

БСО им. П.И.Чайковского производит впечатление именно здорового оркестра. В нет болезненной истерии или самоуверенности. БСО звучит без надрыва и пафоса. Это очень умный оркестр. Но он бы не звучал так, если бы  не был очень чувствительным.

Владимир Федосеев, видимо, не любит лишнего шума (но только лишнего). Поэтому и своим музыкантам не советует шуметь. В этом смысле, оркестр звучит по-пушкински. И это надо ценить.

Судя по всему, те, кто смог попасть на концерт в БКЗ Псковской областной филармонии, звучание оркестра оценили правильно.

Это очень правильный оркестр, который старается оставаться таким даже в неправильное время.

24.

ДОБРЫЙ ВЕЛИКАН
(«Псковская губерния», 2012 г.)

Наиболее заметными на прошедшем 46-м Всероссийском Пушкинском праздника поэзии стали не стихи, а музыка

В Пскове выступил Большой симфонический оркестр им. П. И. Чайковского.

Ждали приезда главного дирижера Владимира Федосеева,  но вместо Пскова Владимир Федосеев из Риги отправился домой, в Москву.
«Простудился, - объяснили администраторы оркестра. - По оркестру сейчас гуляет вирус».

К счастью, бесцеремонная прогулка вируса не сильно отразилась на выступлении московских музыкантов.

Владимира Федосеева заменил дирижер «Новой оперы» Николай Винокуров.

Заранее объявленная программа концерта не изменилась. Псков услышал исключительно русскую программу, состоящую из произведений Чайковского, Бородина, Мусоргского...

«Всё превратилось в клише, в безрадостное зрелище»

Сцена Большого концертного зала Псковской областной филармонии оказалась мала для Большого симфонического оркестра им. П. И. Чайковского. Оркестр в полном составе на ней едва уместился. Гримерок на всех, как обычно, тоже не хватило. Зато слушателей хватило на всех. Зал был переполнен.

Незадолго до концерта дирижер и ведущие музыканты оркестра, после экскурсии по городу, встретились с журналистами. Я спросил у дирижера Николая Винокурова:

- Несколько лет назад дирижер Юрий Симонов заявил в Пскове: «Сейчас наступило время вседозволенности и паразитирования в классическом искусстве». Вы согласны с этим высказыванием?

- К сожалению, это так, - ответил Николай Винокуров. - Юрий Иванович абсолютно прав. Сейчас времена для искусства не лучшие. И не только в России. Хотя в России это более всего заметно.

- В чем именно заметно?

- В театрах стало появляться много второсортных постановок. Всё сводится не к глубокому прочтению, а к приведению к современным декорациям и современным костюмам. Концепция и трактовка пропадает - просто потому, что так сейчас модно. То же самое происходит на Западе. Минимализм пошел из германского театра, поскольку после войны в театрах, которых там огромное количество, денег на богатые костюмы и декорации не было.
Но во что это превратилось сейчас! Мы видим, что в «Руслане и Людмиле» люди выходят в пиджаках. В «Мазепе» обязательно появляется Сталин. Без Сталина уже обойтись нельзя. Всё превратилось в клише, в безрадостное зрелище. Хотя недавняя постановка Большого театра «Кавалер розы» - замечательная, яркая, интересная.

- Тот же Юрий Симонов рассказывал о «трусости современных музыкантов», в частности - дирижеров, которые «идут на поклон большим деньгам» и участвуют во второсортных постановках. О том же самом недавно в Пскове говорила Елена Образцова.  У вас в биографии были отказы от участия в подобных постановках?

- Меня Бог от второсортных постановок миловал. В нашем театре очень хорошие спектакли. Там не допускается дешевых вещей.

- Но вам известны такие случаи?

- Я знаю, что Юрий Темирканов отказался от «Пиковой дамы» в Париже, потому что это было безобразно.

«Это особенное извлечение звука»

Концерты, подобные тому, что состоялся 6 июня 2012 года в Пскове, хороши тем, что неприятных сюрпризов в принципе быть не может. Даже несмотря на болезнь главного дирижера.

- У каждого хорошего оркестра есть свой звук и тембр. У вашего оркестра - какой звук и тембр? - спросил я музыкантов Большого симфонического оркестра им. П. И. Чайковского.

- Это всё идет от Владимира Ивановича (Федосеева. - Авт.). Он гениально слышит. Особенно это касается нашей струнной группы, - скромно ответил кларнетист Владимир Пермяков. - Это очень узнаваемое звучание. То же самое требуется и от духовиков. Это особенное извлечение звука. Индивидуальный подход в творчестве.

- Владимир Федосеев рассказывал, что когда он уезжает дирижировать за границу, а потом возвращается домой, то иностранные оркестры без него (например, Венский симфонический оркестр) начинают звучать по-старому. Что же он делает, чтобы вы звучали по-своему и никак иначе?

- Использует силу убеждения, - ответил Владимир Пермяков.

- И еще дело в том, что когда Владимир Иванович объясняет по-русски, нам это очень понятно, а немцам это очень трудно объяснить, - добавил альтист Александр Китаев.

(Сам Владимир Федосеев в своих интервью рассказывает, что добивается от оркестра «мягкого, шелкового, теплого» звука).

- Такого пианиссимо, которое есть у Большого симфонического, вы не услышите ни у какого другого оркестра, - пообещал дирижер Николай Винокуров.

Так и оказалось. Это стало очевидно уже во время исполнения увертюры к опере «Князь Игорь» Александра Бородина, а особенно проявилось во втором отделении, когда настало время выходов на бис (в этом смысле показателен «Испанский танец» Чайковского из балета «Лебединое озеро». Именно им завершился концерт в БКЗ - пока что главное событие нынешнего филармонического сезона в Пскове).

Pianissimo означает «очень тихо». В общем, тише воды, ниже травы. Тише играешь - выше будешь. Когда такой великан, как Большой симфонический оркестр имени П. И. Чайковского, ведет себя так - это впечатляет. Оркестр чувствует свою силу и умело ею распоряжается.

«Она постепенно превратилась в совершенно роскошную музыку»

После увертюры к опере «Князь Игорь» сразу настала ночь, точнее - «Ночь на Лысой Горе» Мусоргского. Князя Игоря на некоторое время заменил Князь Тьмы.

В свою музыкальную картину Мусоргский поместил поезд Сатаны, сбор и сплетни ведьм, и шабаш, продолжающийся до первых петухов.
А потом с помощью «Фресок Софии Киевской» Валерия Кикты настал рассвет.

- Концертная симфония для арфы и оркестра написана в 1974 году, - рассказала о «Фресках...» арфистка Эмилия Москвитина. - Она написана с медленными темпами, непоказательными гармониями, но десять лет назад Федосеев включил ее в наш репертуар. Мы объехали очень много стран с этим произведением. И оно постепенно перевоплощалось и превратилось в совершенно роскошную музыку. Я с огромным удовольствием ее исполняю.

Приезд в Псков знаменитой арфистки требовал дополнительного вопроса.

- Арфа, наверное, самый заметный инструмент в оркестре и один из самых красивых. Но не всякий оркестр может себе позволить арфу. Наш псковский оркестр - не может. Приходится использовать синтетические заменители звука арфы. Как вы их можете оценить?

- Никак не могу оценить, - ответила Эмилия Москвитина. - Этого не должно быть, хотя некоторые пытаются делать. Сейчас появились группы, где играют на маленьких арфах. Всё это совершенно другое. Сравните с тем, что будет на сегодняшнем концерте.

Арфа возвышалась над сценой, как поднятый парус на корабле. Ветер дул в сторону Киева, к Софии Киевской, к ее фрескам. От шабаша ведьм не осталось и следа.

Николай Винокуров назвал концерт-симфонию для арфы и оркестра Валерия Кикты «изумительным для ХХ века». В ХХI веке превосходные слова у слушателей тоже нашлись. Когда заключительная часть - «Орнамент» - смолкла, из зала донеслись крики «Браво!»

А в голову вдруг пришли строки из пушкинской «Гаврилиады»: «Все пали ниц... Умолкнул арфы звон. // Склонив главу, едва Мария дышит, // Дрожит как лист и голос бога слышит...». Неожиданный поворот событий.

Во втором отделении прозвучала Четвертая симфония Чайковского. Псковские любители музыки имели возможность сравнить, как ту же симфонию исполнял на сцене БКЗ Академический оркестр Московской филармонии под руководством Юрия Симонова (это было на фестивале «Crescendo» в октябре 2009 года).

В Четвертной симфонии Чайковский, пробиваясь сквозь сомнения, к четвертой части вышел на «народную тропу».

В те времена в России так было принято - верить в «народ-богоносец», прислушиваться к нему.

Разумеется, прислушивались к народу по-разному и далеко не все. Кто-то «ходил в народ», кто-то его эксплуатировал, кто-то эксплуатировал тему эксплуатации народа...

Чайковский, получив очередную сумму наличными от баронессы фон Мекк, к финалу симфонии организовал народное веселье. Композитора восхищало умение «простых людей» веселиться в то время, когда поводов для веселья, казалось бы, нет ни малейших.
Если в первой части симфонии слышны военные сигналы и отголоски вальса, то во второй части, по замыслу композитора, слушателей должна настичь меланхолия. Ни поле брани, ни кружение в вальсе от меланхолии не спасают.

Россия в то время, когда сочинялась симфония, активно воевала, защищала «братьев-славян». Это было похоже на попытку не только помочь другим, но и найти себя.

Чем-то семидесятые годы XIX века напоминают 90-е годы XX века. Либеральные реформы, вроде бы, провели, а «счастья нет». Точнее, счастье есть, но где-то «за углом». Примерно об этом - третья часть симфонии Чайковского.

В четвертой части Четвертой симфонии «народный дух» берет верх. Голос народа набирает силу.

В интерпретации федосеевского оркестра обходится без излишней патетики. Оркестр звучит не просто слаженно, а как-то неумолимо.


Это какое-то «принуждение к миру» в музыке - с помощью властной дирижерской руки человека, который в это время находится в Москве - отчего возникает дополнительный эффект. Но звук оркестра действительно «мягкий, шелковый, теплый». Это невозможно не заметить. Несмотря на отсутствие по близости главного дирижера, звук не становится тверже, сермяжнее, холоднее.

* * *

У Пушкина в «Гаврилиаде» арфа не только умолкает, но и снова начинает звучать: «Вновь облаком оделся божий трон; // Восстал духов крылатый легион, // И раздались небесной арфы звуки...».

Музыканты Большого симфонического оркестра им. П. И. Чайковского не прочь когда-нибудь вернуться в Псков и сыграть снова - на этот раз вместе с Владимиром Федосеевым.

25.

ОЛИМПИЙСКАЯ ПРОГРАММА
(«Городская среда», 2012 г.)

38-й фестиваль русской музыки имени Мусоргского и Римского-Корсакова действительно получился необычным. Подробнее «Городская среда» о фестивале расскажет в следующем номере, когда фестиваль закончится. Однако уже сейчас понятно, что несколько заметных событий на нем уже произошло.

На открытии заместитель председателя областного комитета по культуре Зинаида Иванова сказала, что фестиваль будет «по-особенному особенный». И объяснила - почему: он включен в культурную программу Олимпиады в Сочи.

Но дело не столько в Сочи (где Сочи и где Псков), сколько в том, что, наверное, впервые специально к фестивалю было написано столько хорошей музыки.

Полгода назад псковский дирижер Банько предложил молодым композиторам (в основном, петербуржцам) сочинить что-нибудь о Пскове. Формат никакой не задавался. И композиторы написали. Премьеры прошли в субботу, 17 марта 2012 в Большом концертном зале Псковской областной филармонии. Филармонический оркестр, возможно, никогда не исполнял столько премьер одновременно.

Названия новых произведений настораживали. «Древний город», «На реке Великой», «Княгиня Ольга», «Псковский кром»... Скучно, потому что банально. Тем более что к новым произведениям добавили всем хорошо известную кантату «Вече» Меркулова на стихи псковских поэтов (об этой кантате я однажды уже писал - в 2009 году в тексте «Обратная сторона).* Вот отрывок из той статьи:

«И юностью бредит земля...»

 После антракта стихотворцев на сцене сменили музыканты. XLIII Всероссийский Пушкинской праздник поэзии продолжил Симфонический оркестр Псковской областной филармонии (дирижер Геннадий Чернов). Вначале прозвучали подходящие в любом месте и в любое время «Сцена и вальс» из балета «Лебединое озеро» Петра Чайковского. И уж тем более было уместно исполнение симфонической картины «Полтавский бой» из оперы «Мазепа».

Но потом на сцене произошли изменения. К оркестрантам добавились Студентческий хор хоровой капеллы ПГПУ и два солиста: Любовь Батеева (сопрано) и Юрий Наконечный (баритон). Это означало, что настала пора исполнять кантату «Вече» Александра Меркулова.

Александр Меркулов - композитор псковский, но с 2002 года живет в Германии. И как только он туда уехал, то к юбилею Пскова написал кантату «Вече». В прошлом году в голландском Неймегене состоялась премьера. А теперь вот «Вече» прозвучало и у нас.
Это очень спорное произведение. Название подразумевает, что музыкально-поэтическим языком будет говориться о вече. Первая часть (текст написал сам композитор Меркулов) дает основание так думать. Хор дружно поет: «Вставай вольный город, подымайся / Скорей все на площадь, скорей...»

Но во второй части почему-то появляется княгиня Ольга (Александр Меркулов воспользовался «Сказанием о княгине Ольге» Станислава  Золотцева). После инструментальной «Ярмарки» следует четвертая часть - «Плач» (текст еще одной псковички - Ирины Фёдоровой). «Стая птиц кружится, / Сердце боль пронзила... Где супруг мой милый? / Где сынок мой звонкий?... Плачет русская женщина на бескрайней Руси»).

В кантате «Вече» намешаны месть древлянам («Запомнил мир, как тяжела / Псковской паромщицы рука...»), двусмысленные образы Валерия Мухина: «Где Великая с дочкой-Псковой слились в едином движеньи...» и многое другое. Очень характерен перл того же Валерия Мухина в пятой, заключительной части: «И юностью бредит земля...».

В музыке, которая должна, по идее, отражать демократическое вече, слишком много героическо-патетическо-монархического... Временами (за исключением второй части) это напоминает партийные гимны «эпохи развитого социализма».

И все же, по крайне мере, одно достоинство у кантаты «Вече» имеется: она написана не на стихи Пушкина.

Как бы то ни было, зал воспринял прозвучавшую кантату с восторгом. Букеты несли не останавливаясь...

...Были опасения, что молодые композиторы насочинят что-то в духе кантаты «Вече». Но нет, все вышло совсем по-другому. В каком-то смысле, произошел прорыв в новую реальность. Очень мощной, в почти хард-роковом стиле, получилась симфоническая картина «Псковский кром. Духи великих воинов» Антона Танонова. Увертюра «Княгиня Ольга» Вячеслава Круглика тоже была далека от типичных стилизованных под Мусоргского и Римского-Корскакова произведений. В общем, первая половина концерта, до тех пор, пока со сцены не донеслось плотоядное: «Где Великая с дочкой-Псковой слились в едином движеньи...», получилась по-настоящему энергичной и в профессиональном смысле неплохо сыгранной.

А на следующий день, 18 марта, в областной филармонии состоялся фортепианный концерт хорошо знакомой псковичам по фестивалю Crescendo Екатерины Мечетиной.

26.

КАРТИНКИ С ФЕСТИАВАЛЯ
(«Городская среда», 2012 г.)

В прошлом номере «Городская среда» рассказала об открытии 38-го фестиваля русской музыки имени Мусоргского и Римского-Корсакова. И вот, фестиваль закончился. Он оказался одним из самых интересных за последнее время.

Особенно яркими оказались первые два дня.

Полгода назад псковский дирижер Эдуард Банько предложил молодым композиторам (в основном, петербуржцам) сочинить что-нибудь о Пскове. Жесткий формат не задавался. И композиторы сочинили.

Псковский филармонический оркестр, возможно, никогда не исполнял столько премьер за один вечер.

Названия новых произведений настораживали: «Древний город», «На реке Великой», «Княгиня Ольга», «Псковский кром»...

Возникли опасения, что молодые композиторы выбрали слишком формальный путь. Но нет, всё вышло совсем по-другому.

Очень мощной, в почти хард-роковом стиле, получилась симфоническая картина «Псковский кром» Антона Танонова, который разбудил «духов великих воинов».

Антон Танонов в музыкальных кругах известен как композитор-эспериментатор. Он сочиняет не только камерную и  симфоническую, но и электронную музыку.

Кроме того, он автор рок-мюзикла «Вий». Сотрудничает с совершенно различными музыкантами - от Кена Хенсли (Uriah Heep) до Владимира Федосеева, от Вероники Джиоевой до Дмитрия Харатьяна. Отныне в этом пестром ряду есть место псковскому филармоническому оркестру.

Один из многочисленных фестивалей, в которых участвует Антон Танонов, называется «Звуковые пути». Так вот, звуковые пути, благодаря Эдуарду Банько, привели петербургского композитора в Псков.

В перспективе, «Псковский кром» мог бы превратиться в одну из музыкальных визитных карточек Пскова. Во всяком случае, это произведение, на мой взгляд, намного ярче, чем та же кантата «Вече» Александра Меркулова (отрывки из кантаты тоже прозвучали в этом концерте).

Благодаря специальному приглашению молодых композиторов в Псков, в каком-то смысле, произошел прорыв в новую реальность.

Концертная увертюра «Древний Псков» Евгения Петрова, где солировали Ирина Иванова, Ольга Красницкая и Ольга Глазова, была более традиционной.

Пока солистки рассаживались, в зрители в зале затеяли спор: «Бандуристки». - «Гусляры». - «Нет, бандуристки!»

Разумеется,  концертная увертюра «Древний Псков» сопровождалась звуками гуслей. Эта музыка могла бы стать звуковой дорожкой к какому-нибудь историческому фильму, в котором есть переходы от благостных картинок мирной жизни к батальным сценам.

Еще одна увертюра - «Княгиня Ольга» Вячеслава Круглика - была далека от типичных, стилизованных под Мусоргского и Римского-Корсакова, произведений (новые композиторы очень часто прибегают к стилизации). Пожалуй, эта увертюра была самой масштабной и мелодичной из всего того, что прозвучало в этот вечер.

Сразу же после концерта я спросил у Вячеслава Круглика:

- Насколько вообще востребована современная академическая музыка?

- Чтобы оркестры  взяли в репертуар современную музыку - это бывает не так часто, - ответил петербургский композитор. - Но существует большое количество фестивалей современной музыки. В Петербурге это «Петербургская музыкальная весна», «Земля детей». Их организуют Союз композиторов и комитет по культуре. Появился фестиваль «Новые горизонты» Валерия Гергиева. Там звучит современная музыка и собираются полные залы.

- Мне интересна судьба той музыки, которая прозвучала сегодня в Пскове. Насколько часто она будет звучать? Не может ли так получиться, что это будет не только первое, но и последнее исполнение?

- Здесь композитор не властен.

- И все-таки, вы видите какие-нибудь способы продлить жизнь вашей музыке? На мой взгляд, она достойна того, чтобы и дальше звучать.

- Конечно, хотелось бы, чтобы кто-то ее взял в репертуар, и чтобы она звучала на фестивалях. Но, с другой стороны, не хочется останавливаться. Хочется идти дальше.

Симфоническую картину «На реке Великой» представил на фестивале Николай Мажара.

Из всех петербургских композиторов нового поколения он, наверное, теснее всех связан с Псковом. Николай Мажара - внук известного литературоведа, исследователя памятников русской литературы XI-ХVII вв. Льва Дмитриева. С пяти лет приезжал в Псков в гости к литературоведу Евгению Маймину.

В своем творчестве Николай Мажара тоже, в каком-то смысле, исследует русскую древность. Но предмет его исследования - не слова, а музыка. И если Антон Танонов помимо своей композиторской деятельности известен еще как звукорежиссер, то Николай Мажара - практикующий пианист. Он одержал две победы на Международных конкурсах имени Сергея Прокофьева: в 2004 году как пианист, а в 2008 - как композитор.

После премьеры симфонической картины «На реке Великой» я поинтересовался у Николая Мажары:

- Река Великая у вас зимняя или летняя?

- Скорее та, которая не подо льдом, летняя, - ответил Николай Мажара. - Но, как было сказано в преамбуле, это скорее собирательное понятие. Течение времен.

- Мне показалось, что у этой реки один берег очень крутой.

- Да, возможно. На одном берегу возвышается Кремль. На нем происходит воинское движение. Но потом всё приходит в благополучное состояние, и река продолжает свое движение.

- В вашем творчестве другие города присутствуют?

- Пожалуй, нет. Чаще всего мне приходится иметь дело не с программной музыкой. В данном случае у концерта была идея. Она пришла из Пскова. Поэтому все на нее так откликнулись. Потом появился тот образ, который мы собирались создать. Премьера прошла очень удачно. Замечательный зал и замечательный оркестр. Перед оркестром стояла сложнейшая задача. Много новых сочинений. Поскольку я хорошо знаю творчество своих друзей и могу с уверенностью сказать: никто себя не насиловал, не менял свой музыкальный язык.

Кроме названных композиторов на своем языке о Пскове в этот вечер разговаривали Светлана Нестерова, Дарья Полевая и Екатерина Блинова.

На следующий день в том же зале областной филармонии звучала бесспорная классика: музыка Мусоргского, Чайковского и Стравинского. Это был фортепианный вечер. И в то же время это был, в определенном смысле, танцевальный вечер, потому что первое отделение было посвящено музыке из балетов. Солировала лауреат международных конкурсов Екатерина Мечетина, знакомая псковичам по фестивалю «Crescendo».

В первом отделении прозвучала концертная сюита из музыки к балету «Щелкунчик» Петра Чайковского в обработке Михаила Плетнёва. Затем ХIХ век сменился ХХ, и были исполнены три пьесы из музыки  к балету «Петрушка» Игоря Стравинского.

Второе отделение посвятили «Картинкам с выставки» Модеста Мусоргского. На бис, призывая весну, Екатерина Мечетина исполнила «Май» Чайковского из цикла «Времена года».

Спустя час после концерта мы поговорили с Екатериной Мечетиной не только о картинках Гартмана, вдохновивших Мусоргского и не только о поездке Екатерины Мечетиной в Псково-Печерский монастырь. Разговор коснулся  даже политики.

- Екатерина, сегодня заглянул на ваш сайт и  обнаружил, что вы - доверенное лицо Путина.

- Было такое дело. Вчера как раз закончился срок действия моего удостоверения.

- Вы испытали облегчение?

- Нет. Пришлось, конечно, походить на всякие официальные встречи. Но я не могу сказать, что это меня сильно напрягало. Местами было даже интересно, особенно когда встречались такие люди как Владимир Толстой. 

- А была возможность отказаться от чести стать доверенным лицом?

- Никто никого не заставлял, но я просто не видела смысла отказываться. Я считаю, что только-только в российской культуре что-то стало стабилизироваться. И нам не нужен новый передел собственности.

Речь зашла о концерте, который состоялся в Пскове накануне.

- Сама идея отличная, потому что современным композиторам нелегко найти себя, - высказала свое мнение Екатерина Мечетина.

- Но сами вы музыку современных молодых композиторов не исполняете?

- У меня несколько другое амплуа. Поскольку я филармонический артист, то должна ориентироваться на слушателя. Я иногда позволяю включать в свои концерты произведения современной музыки, но немного. Иначе публика напугается.

Разговор естественным образом перескочил на тему музыкальных инструментов, в частности - роялей. Екатерине Мечетиной хорошо известна трагическая судьба предыдущих роялей псковской филармонии.

- Ваш новый рояль - не обыгранный, - высказалась она по поводу  «Steinway & Sons», приобретенного к прошлому фестивалю «Crescendo». - Кто-то из администраторов сказал, что Мацуев на нем играл, но, судя по всему, это не так.

- Так. И Мацуев играл, и кое-кто еще. И классику, и джаз.

- Как ни странно, но следов того, что его разыгрывали - вообще нет, - удивилась Екатерина Мечетина. - Он пока очень тугой. Судя по колкам, его только два-три раза настраивали. Но ничего... Когда-то у меня такой же был тугой рояль дома. Зато после этого на любой сцене мне казалось, что я попала на курорт, а не на концерт.

- В первом отделении телефоны псковских зрителей молчали, но когда во втором отделении вы заиграли «Картинки с выставки» - телефоны вдруг начали звонить. Особенно, когда звучала пьеса «Быдло». Очень символично.

- Да, я это тоже заметила.

- Правильно ли я понял, что «Картинки с выставки» вы не исполняли со школы?

- Да, я их сегодня играла впервые за 16 лет. В последний раз это было в школе в 11 классе в 1995 году. С тех пор они не пригодились.

- Денис Мацуев любит импровизировать на сцене. А у вас не возникало подобного желания?

- Я не очень вижу женщин-инструменталистов в джазе. Особенно пианисток. Я себя совершенно не представляю в этой роли. Тем более что я никогда не была очень увлечена джазом.

- Вы входите в Совет при президенте России по культуре и искусству. Как, на ваш взгляд, обстоят дела с культурой на телевидении?

- Существует канал «Культура». Его смотрят несчастные 3 %. Все остальные каналы решили, что это полностью их оправдывает, и ничего не делают. Каналы от культуры начисто отреклись.

В следующий раз Екатерина Мечетина выступит в Пскове уже вместе с симфоническим оркестром Псковской областной филармонии. Произойдет это очень скоро - 20 сентября 2012 года. Предполагается, что псковичи услышат Второй концерт Чайковского.

Однако некоторым повезло, и они смогли увидеть и услышать Екатерину Мечетину значительно раньше. Спустя два дня после псковского концерта Екатерина Мечетина дала мастер-класс в Куньинском районе, в деревне Наумово - в музее-усадьбе Мусоргского.

А сам 38-фестиваль русской музыки длился еще неделю, включив в себя и выступление труппы классического балета, и концерты оркестра народных инструментов, и мужского хора... К счастью, в отличие от центрального телевидения, многие не спешат начисто отрекаться от культуры.

27.

СИБИРИАДА
(«Городская среда», 2017 г.)

Бывает так: слушаешь хорошую музыку в неплохом исполнении. Музыканты не фальшивят, но не в силах пробить стену между собой и слушателями. Вроде бы всё делается правильно, но не хватает мощи. Красноярский академический симфонический оркестр это тот коллектив, который такой мощью обладает./.../

28.

СИЛА СИБИРИ
(«Псковская губерния», 2017 г.)

Есть оркестры маленькие, а есть большие

В Псковской области завершился фестиваль русской музыки имени Мусоргского и Римского-Корсакова, но о нём - в следующем номере. Тем более что самое яркое событие в области симфонической музыки на псковской сцене в апреле произошло ещё до этого фестиваля. В Большом концертном зале Псковской областной филармонии выступил Красноярский академический симфонический оркестр.

«Жалкий, отвратительный композитор»

Красноярский симфонический оркестр в Пскове не очень известен. В Пскове до появления афиш о его существовании многие вообще не слышали. Сибирь далеко. Полного зала собрать не удалось. Хотя список музыкантов, с которыми оркестр сотрудничал за время своего существования с 1977 года, впечатляет (Святослав РихтерМихаил ПлетнёвВиктор ТретьяковДмитрий БашкировИгорь ОйстрахВладислав Чернушенко...).

Сибирский оркестр, судя по всему, произвёл на псковских зрителей сильное впечатление. Симфонических оркестров за последние годы в Пскове выступало немало, и Красноярский - один из лучших. Мощное звучание. Сразу несколько человек после концерта сказали одно и то же: «Настоящий большой оркестр». Есть оркестры маленькие, а есть большие.

Открывался концерт увертюрой к опере Джузеппе Верди «Набукко». В 1844 году, сразу после премьеры, эта опера расколола музыкальный мир. Одни зрители пребывали в полном восторге, а другие в прямом смысле плевались - настолько увиденное и услышанное показалось им отвратительным. Немецкий композитор Отто Николаи (одно время он был помощником немецкого дирижёра и композитора Конрадина Крейцера, а позднее сменил Феликса Мендельсона на посту капельмейстера Берлинского кафедрального собора) вошёл в историю музыки не только как автор оперы «Виндзорские проказницы», но и как автор следующего высказывания: «Оперы Верди действительно ужасны. Он пишет как глупец и совершенно не профессионален технически, он, должно быть, имеет сердце осла, и, по-моему, это жалкий, отвратительный композитор». Николаи сказал это, узнав о похвалах в адрес Верди после премьеры оперы «Набукко». И вряд ли это было связано исключительно с завистью и с тем, что сам Отто Николаи до этого отказался сочинять оперу на либретто «Набукко».

Люди, подобные Николаи, действительно хорошо разбирались в музыке, но только в музыке прошлого. Всё, что не вписывалось в традицию, казалось им грубым, простонародным. Для них музыка Верди, выражаясь современным языком, казалась попсой. Достаточно того, что публика во время оперного представления шумно требовала исполнения на бис, что формально нарушало действо.

Незадолго до псковского выступления я спросил художественного руководителя и главного дирижёра Красноярского академического симфонического оркестра Владимира Ланде: «Для Пскова вы выбрали произведения трёх классиков. Почему именно они и почему именно эти произведения?» - «Открываем мы Верди, потому что, во-первых, я очень люблю оперу и не мог приехать сюда, не сыграв ни одного оперного произведения. Во-вторых, у Верди мне очень близок именно «Набукко». Это поворотная опера в жизни Верди. Он начал писать «Набукко» как спасение собственной жизни. У него была невероятная трагедия: умерли сын, дочь и жена - в течение нескольких месяцев. Это та музыка, которая спасла его от суицида. По накалу страстей, мне кажется, этому произведению почти нет равных».

Владимир Ланде как музыкант и сам не прочь иногда нарушить классический канон. С 1989 года он живёт в США, у него американское и российское гражданства, и кроме записей абсолютной классики (БрамсЧайковскийРахманиновШостакович и т. д.) у него в биографии есть выступления с Реем ЧарльзомСтиви УандеромСтингом...

«Это публика, которая соучаствует в исполнении»

Разговор с Владимиром Ланде продолжился. «Вы не только этим оркестром руководите, но и двумя вашингтонскими». - «Тремя! - улыбнулся Владимир Ланде. - Один в Вашингтоне, один в Аннаполисе (тоже недалеко), и один на юге Мэриленда. Симфонический - на юге Мэриленда, в Вашингтоне - камерный, и в Аннаполисе - молодёжный». - «Как это технически осуществляется?» - «Невероятным количеством перелётов и переездов. Дело в том, что график безумный, но каждый раз, когда я думаю о том, что надо сделать график более полезным для меня как человека, то понимаю: творческие процессы необходимы здесь, и там, и везде. Хотя признаюсь, что в последнее время всё больше времени стараюсь уделять красноярскому оркестру. Мне кажется, что сейчас он самый интересный и перспективный в моей жизни». - «О западной публике обычно говорят, что она намного старше, чем в России. Это миф или так оно и есть?» - «На Западе она во много раз старше, чем в России. Я должен сказать, что одной из причин того, что мне интересен именно красноярский оркестр, является ещё и публика, которая живёт в Красноярске, в Сибири, в России... Есть подобные же тенденции в Латинской Америке, в некоторых странах. Это публика, которая соучаствует в исполнении. Это эффект двусторонней улицы. Энергия не только покидает сцену и отправляется в зал, но и возвращается на сцену. И тогда исполнение становится наиболее интересным. Хотя в зале все - студенты, школьники и, конечно, умудрённые опытом пенсионеры».

Студенты, школьники и, конечно, умудрённые опытом пенсионеры в первом отделении услышали ещё и скрипичный концерт Яна Сибелиуса. Сибелиус для Пскова композитор почти свой. Его бюст установлен в центре города - недалеко от Псковского кремля.

Предваряя выступление, Владимир Ланде сказал: «Что же касается скрипичного концерта Сибелиуса, то это один из романтических шедевров. Я с колоссальным удовольствием его исполню вместе с Павлом Милюковым. Павел - удивительный солист. Удивительный не только с точки зрения технической. Так что Сибелиус был естественным для этого вечера».

Павел Милюков находился неподалёку. В его руках была скрипка Гварнери. Об этой скрипке невозможно было его не спросить: «Насколько она чувствительна во время путешествий из-за перепадов?..» «Она больше чувствительна к бюрократии, но я старюсь этого не замечать, - ответил скрипач Павел Милюков. - Что же касается перелётов, то однажды был чувствителен перелёт из Улан-Удэ в Бразилию. Перепад температур был от минус 32 до плюс 32...»

Впервые Павел Милюков и Владимир Ланде увиделись друг с другом только накануне псковского выступления. Насколько это может влиять на выступление? По мнению Павла Милюкова, это не проблема, тем более что «восприятие музыки совпадает».

Не раз бывало, что музыканты, приехав в Псков, не могли вспомнить, бывали ли они здесь раньше. У Павла Милюкова я тоже спросил: приезжал ли он в Псков раньше? Полной уверенности у него тоже не было, но он, оглядываясь, произнёс: «Не помню, хотя... Я помню зал, гостиницу помню...» - «А Псковский кремль?» - «Нет, но зал точно помню...» Это как раз иллюстрация к тому, о чём говорил Владимир Ланде (про «безумный график», «невероятное количество перелётов и переездов» и о том, что «творческие процессы необходимы здесь, и там, и везде»). Не всегда даже понятно, где музыкант живёт.

У Владимира Ланде место жительства - Вашингтон и Красноярск, а у Павла Милюкова? «Я преподаю в московской консерватории и являюсь солистом московской филармонии, - рассказал скрипач. - Так что трудно сказать, что я не живу в Москве. При этом я учусь в Вене».

В Вену он в 26 лет отправился учиться к Борису Кушниру. О своём учителе он сказал так: «Я нашёл прекрасного человека, профессора - самого лучшего в мире, и мне повезло, что он принял меня в свой класс. Он всю жизнь посвятил преподаванию и воспитал много прекрасных скрипачей. И я поехал к нему. Он перевернул всю мою профессиональную жизнь...»

Об учителе Владимира Ланде я тоже спросил. «Его зовут Густав Майер, - ответил художественный руководитель красноярского оркестра. - Он ушёл от нас в прошлом году. Это дирижёр, который учился вместе с Зубином Метой, вместе с Клаудио Аббадо. Это были три друга. Но Густав Майер - не путать с Густавом Малером - избрал для себя педагогическую стезю, воспитал невероятное количество учеников. Почти все ведущие дирижёры мира моего поколения в то или иное время у него учились. Это родоначальник собственной школы. В какой-то момент эта школа конкурировала со школой Ильи Александровича Мусина. Я не учился у Мусина официально, но ходил на его уроки, играл как гобоист в его дирижёрском оркестре. Я очень надеюсь, что мне удалось набраться ума-разума в обеих школах, которые, как выяснилось, не такие уж и разные... Ученики Майера, как и Мусина, дирижируют «очень разным языком». Они очень разные люди и музыканты, но это именно то, в чём проявляется талант педагога. Густав Майер не штамповал подобных себе, а раскрывал индивидуальность».

«У композиторов появилась возможность общаться с теми, для кого они пишут»

Во втором отделении сибирские музыканты исполнили третью симфонию Брамса. О ней Владимир Ланде сказал: «Сложнейшая третья симфония Брамса. Одна из вершин в творчестве композитора. Музыка достаточно известная, особенно третья часть. Она использовалось в большом количестве кинофильмов. Так что даже те слушатели, которые нечасто ходят на концерты, наверняка её узнают. Для роста оркестра исполнять эту музыку очень важно».

29.

ПОЛОВЕЦКИЙ ПЛЕННИК
(«Городская среда», 2009 г.)

31 марта 2009 года концертным исполнением оперы Александра Бородина «Князь Игорь» в Большом концертном зале Псковской областной филармонии закрылся 35-й фестиваль русской музыки имени Мусоргского и Римского-Корсакова.

Опера «Князь Игорь» написана по мотивам «Слова о полку Игореве», а «Слово о полку Игореве» имеет отношение к Пскову. Поэтому рано или поздно «Князь Игорь» должен был в Пскове прозвучать. Самым естественным было бы, чтобы это произошло на ежегодном фестивале русской музыки.

Слово за «Слово...»
Когда-то знаменитый псковский исследователь Леонид Творогов выдвинул гипотезу, по которой ветхая южно-русская рукопись «Слова...» в конце XIII века попала в Псков, в Мирожский монастырь, где с нее сняли копию. Потом, по версии Творогова, монастырскую библиотеку перенесли в Троицкий собор, а затем библиотека снова отправилась по монастырям - в Пантелеймоновский, Снетогорский, Елеазаровский... Творогов утверждал, что именно Елеазаровский список нашел Мусин-Пушкин в Ярославле, после чего о «Слове о полку Игореве», наконец-то, узнали.

Концертное исполнение «с элементами сценического действия» представили псковской публике режиссер Мария Бонч-Осмоловская и дирижер Геннадий Чернов. Участвовали Симфонический оркестр Псковской областной филармонии, сводный хор, в который вошли Хор Псковского областного колледжа искусств (художественный руководитель Людмила Кудрявцева) и студенческая хоровая капелла Псковского государственного педагогического университета (руководитель - Николай Мишуков, хормейстер - Татьяна Сосницкая, концертмейстер - Виктор Иванов).

Несмотря на обещанные «элементы сценического действия», исполнители, прежде всего, сосредоточились на музыке. Роль декораций играли слайды, проектируемые на две стены по бокам сцены. На краю сцены лежали русский шлем и половецкая шапка, а детей особенно привлек щит и меч, которые прикрепили на красную материю.

Химический анализ истории

Псковичи услышали сокращенный вариант оперы (за скобки вынесли линию князя Владимира Галицкого. Обошлось и без гудочников Скулы и Ерошки...) Тенор Михаил Макаров (солист оперы Михайловского театра), исполнявший партию Владимира Игоревича, на некоторое время перевоплотился в крещеного половчанина Овлура. Но главное, на взгляд многих присутствовавших, было то, что в концертном исполнении участвовал бас Алексей Тановицкий (солист оперы Мариинского театра). Первоначально его участие не планировалось, но, к счастью, обстоятельства сложились так, что партию Кончака исполнил именно он. И, таким образом, оказалось, что с перерывом в неделю на сцене БКЗ пели два баса европейского уровня - вначале Отар Кунчулиа, а потом и Алексей Тановицкий. Его Кончак почти «подавил» чрезмерно академичного князя Игоря в исполнении Александра Кузнецова (баритон, солист оперы Михайловского театра). Александр Кузнецов когда-то участвовал в концертном исполнении «Травиаты» в партии Жоржа Жермона на сцене Псковского академического театры драмы. У него видная внешность и довольно сильный голос. Но рядом с артистичным Алексеем Тановицким, обладающим сочным и емким басом, он выглядел уже не столь убедительно.

Впрочем, публику убеждал сам факт присутствия на опере, которая у нас еще не звучала. В этом смысле, успех можно было прогнозировать заранее. «Князь Игорь» - безоговорочная классика. «Половецкие пляски» не слышал только глухой. Хрестоматийными давно стали и слова «О дайте, дайте мне свободу! / Я мой позор сумею искупить...»

Свободу не просят, ее берут. Несколько нот отделяют слова «Позором стал я земли родной: / Плен! Постыдный плен!» от слов «Я мой позор сумею искупить. / Спасу я честь свою и славу, / Я Русь от недруга спасу!». И возвышенные слова - звучат.

Так Псковский оркестр замахнулся на новую вершину... И вершина была взята. Князь Игорь, после колебаний, бежал из плена. Великодушный Кончак, строго по либретто, соглашается, что сам бы на его месте поступил также. Евфросинии Ярославне (сопрано, солистка оперы Мариинского театра Екатерина Шиманович) недолго осталось плакать. Вслед за песней в край родной улетел на крыльях ветра и Игорь Святославович. В плену, правда, остался его сын от первого брака Владимир, но Кончак, прежде чем отправиться в очередной поход на Русь, готов сделать сына Игоря своим зятем (в роли Кончаковны - Наталья Евстафьева, меццо-сопрано, солистка Мариинского театра).

Концертное исполнение, конечно же, в высшей степени условное действо. Дважды условное, по сравнению с условностью оперного спектакля. Когда объяснение любви происходит так: Владимир выглядывает из-за плеча дирижера и обращается к дочери Кончака, - то не всякий проникнется должным духом. Но все искупает эпическая музыка профессора-химика Бородина.

«Солнцу красному, - как поется, - слава». А всем участникам концертного исполнения, - как говорится, - спасибо. «Солнце светит на небе - Игорь князь в Русской земле. Девицы поют на Дунае, вьются голоса через море до Киева... Страны рады, города веселы...» Так жизнерадостно, с привлечением женского вокала, заканчивается «Слово о полку Игореве». И больше здесь добавить нечего.

 

Продолжение следует

 

 

 

 

Алексей СЕМЁНОВ

Имя
E-mail (опционально)
Комментарий